Sin Título – Revista RARA

Small Scale, Big Change

mau — Fri, 17 Feb 2017 21:10:14 +0000

La exhibición Small Scale Big Change: New Architectures of Social Engagement, organizada por el curador del Departamento de Arquitectura y Diseño del MoMA, Andrés Lepik, se llevó a cabo en la sede de esta institución en Nueva York, de octubre del año pasado a enero del presente año. La muestra reunía 11 proyectos arquitectónicos que se centraron en mejorar el entorno donde se localiza y promueve el desarrollo social sostenible. La exhibición, muy diferente a todas las pasadas muestras del MoMA, prestó atención a contextos heterogéneos: remotos pueblos en el desierto de África, localidades rurales de Asia, barriadas urbanas de Sur América, o sofisticadas ciudades Europeas. Esta exhibición partió de una investigación acerca de la arquitectura realizada para comunidades marginadas.

Patricia Belli

mau — Fri, 03 Feb 2017 19:59:23 +0000

Nacida en 1964 y con más de veinte años de experiencia en el campo del arte contemporáneo y trece como docente en la asociación de carácter no lucrativo, EspIRA-La Espora (Espacio para la Investigación y Reflexión Artística) de artistas en formación, Patricia Belli es ya una referencia en arte contemporáneo de la región.

Su trabajo artístico ha sido expuesto en museos y galerías, entre los que destacan el Museo del Barrio, Nueva York; Entre líneas, La Casa Encendida, Madrid (2002); y Talking, Brandts Klaedefabrik Museum, Odense (2002).

Decidió dedicarse por completo al arte cuando tenía dieciocho años. Proyecto que materializó con dos licenciaturas. La primera en Artes Visuales, por la Universidad de Loyola, Nueva Orleans (1987); y la segunda en Artes y Letras por la Universidad Centroamericana, UCA, Managua (1996). Además realizó una maestría en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco, California (2001).

Es la tarde del primer viernes de marzo, bajo una temperatura que no perdona a ningún transeúnte de Managua en pleno verano. Son menos de treinta minutos de charla. Tras casi dos semanas de correspondencia vía e-mail, logramos finalmente ponernos de acuerdo, nos acomodamos y nos dejamos llevar por un modesto guión de preguntas que no es sino la hoja de ruta de lo que viene a continuación.

Foto: México y C.A.

mau — Wed, 18 Jan 2017 22:34:12 +0000

La fotografía es un medio cotidiano. En Latino-américa, si bien no ha tenido la misma visibilidad que tiene en Europa y Estados Unidos, la producción fotográfica ha crecido de forma significativa en los últimos años. Así, gracias a su capacidad de adaptación, la fotografía se ha hecho de un espacio especial dentro del arte. Internacionalmente, ningún otro medio se ha representado de formas tan distintas. En la actualidad cuestionarnos sobre si la fotografía es arte o no, ya no tiene cabida –finalmente, después de casi 200 años de debate–. Su presencia, cada vez mayor en exhibiciones contemporáneas en los grandes museos y galerías, así como el surgimiento de certámenes y festivales dedicados exclusivamente al medio, son sólo algunos ejemplos. Si bien podríamos hacer distinción entre fotógrafos de arte, artistas, artistas fotográficos, artistas que se sirven de la fotografía y fotógrafos, hemos hecho una revisión de los festivales de Guatemala, El Salvador y México, con la única intención de destacar las obras más interesantes. Muchos de los creadores de imágenes dentro de estos festivales se refieren a sí mismos como artistas, otros se hacen llamar fotógrafos, mientras que algunos experimentan también con otros medios, como el video y la instalación. En este caso, las distintas definiciones no son importantes. Lo único que realmente cuenta es que su trabajo comunique ideas de manera coherente –que inviten a una reflexión–, de modo que merezcan atención, valoración y análisis. A lo largo de la historia, la fotografía ha sufrido un sinnúmero de transformaciones, llevándonos por una especie de laberinto. La imagen que por décadas hemos visto en anuncios, revistas de moda, álbumes familiares, archivos científicos, periódicos, etc., se volvió tan accesible y tan habitual, que el medio por sí sólo parecía no tener mayor importancia y mucho menos una trascendencia artística. La fotografía latinoamericana en general hasta hace pocos años todavía era vista con desdén, relacionándosele a imágenes exóticas, folclóricas y costumbristas. Con ello, a partir del Primer Foro de Fotografía Latinoamericana, realizado en México en 1978, parecieron sentarse las bases de los esquemas ideológicos desde los que se evaluaría la fotografía latinoamericana durante varias décadas, pero aún condicionados por la “imagen latinoamericana”. Sin embargo, actualmente se identifica por un común denominador: como dice el curador español Claudi Carreras, “en América Latina los procesos de creación surgen en plena efervescencia política, económica y social”, dando paso a una tendencia principalmente documentalista. Ese documentalismo, empero, no es sencillo, no sigue una receta específica y su resultado nunca es literal. Así, con una amplia diversidad de resultados, la fotografía nos ha venido a mostrar que su función no es solamente la de hacernos ver la realidad sino reinterpretarla, llevando a la imagen a niveles nunca antes imaginados. El hecho de que en algunos casos, principalmente en nuestra región, se siga argumentando en contra de ella no se debe a su inconsistencia sino al hecho de que sus posibilidades críticas y creativas son hoy más vastas que nunca. Dentro de ese eterno laberinto de confusión, uno de los aspectos que ha enriquecido a la fotografía ha sido el “boom” digital de la última década. Si es cierto que éste ha generado controversia, acusándosele de llevar a la fotografía a su punto más bajo, principalmente desde una visión purista, ha sido también gracias a eso que la hemos desmitificado. Herramientas como Photoshop, nos han hecho ver lo fácil que puede ser sospechar de ella –a pesar de que la fotografía ha sido siempre un medio manipulable, ya sea en la toma o en el cuarto oscuro– pero ahora podemos afirmar que la era digital consiste, senci-llamente, en una etapa esencial e innegable de su largo y constante desarrollo. En la historia de la fotografía, el conceptualismo fue mucho menos llamativo que el pop (que había utilizado la fotografía como una herramienta para cuestionar y criticar el medio mismo), pero ejerció una gran influencia para su futuro en el arte. En el conceptualismo importaban más las ideas, las investigaciones y las definiciones profundas, dando paso a nuevas interrogantes. Esto la llevó a un punto en el que se deshizo de todos los objetos y se quedó sólo con las ideas, utilizando, en este caso, la fotografía de una manera muy casual sin habilidades técnicas y sin la necesidad de otorgarle un “semblante” artístico.

Encubrimientos

mau — Tue, 17 Jan 2017 22:15:11 +0000

1 / Una historia ilustrada de la mentira El término “encubrimientos”, usado como título de esta exposición, tiene tantas implicaciones políticas como poéticas. De hecho, puede suponerse que el uso de “encubrimientos” encubre una implicación política tras una poética. O viceversa. Dos obras de esta exposición pudieran ilustrar perfectamente ese extremo en el cual el encubrimiento se exhibe como gesto político (en un caso) y el gesto político se descubre como simulacro (en el otro). Hablo de la pieza titulada Souvenir, de Sebastián Friedman, y del políptico de Cia de Foto, titulado Políticos. La primera es una obra que invita a los espectadores a formar parte del acto fotográfico por medio de una escenificada usurpación de identidades. Sebastián Friedman ha recortado y montado unas siluetas en tamaño natural, dejando hueca la parte correspondiente a la cara, de manera que las personas pueden optar por tomarse una foto posando con su rostro a través de una silueta ajena. Esto es lo que se hace a veces en lugares turísticos con siluetas de personas famosas, celebridades del mundo del espectáculo o la política. Es un acto en el que la gente juega a exhibirse como quien no es, ironizando sobre su propia fantasía y vulgarizando el glamour de los famosos con su propio anonimato. Friedman mantiene la ironía, pero invirtiendo su sentido, pues las siluetas utilizadas son de gente de las clases populares: pudieran ser obreros, sirvientas, desempleados o personas que viven en las calles. No es el tipo de gente que uno quisiera ser (literalmente, no queremos vernos en sus zapatos) y muchas veces es el tipo de gente que permanece invisible. La relación entre aspiración, deseo y posesión, implícita en la ficción de las identidades, se vuelve aquí también una relación política, casi pudiéramos decir que es una relación “políticamente incorrecta”. Al invitar al público de la exposición a fotografiarse con estas figuras, Friedman hace que esta relación política pase a conformar el lado pragmático de la obra, afectando la lógica de su consumo y sustituyéndola por una lógica de la participación. Lógica también invertida, pues si participar es tanto formar parte como tomar partido, en esta obra ambas opciones existen
solamente como sendas ficciones.

01:Cia de Foto Caixa de sapato Video (5’04’’) 2008

02. María Teresa Ponce L51 Tintas minerales sobre papel fotográfico 110 x 145 cm 2008

03. Alejandro Lipszyc Estaeban Widnick: 18 de abril de 2002. Paternal Buenos Aires / Barcelona España. Tintas minerales sobre papel
de algodón 60 x 60 cm 2002

04. Cinthya Soto Playa y Bicicleta C-print 123 x 123 cm 2007

05. João Castilho De la serie Redemunho Tintas minerales sobre papel de algodón 70 x 105 cm c/u 2006

06. Andrés Asturias De la serie Arena Negra Tintas minerales sobre papel de algodón 80 x 80 cm 2010

07. Andrés Asturias De la serie Arstroland Tintas minerales sobre papel de algodón 80 x 80 cm 2007

08. Andrea Aragón de la serie super rubias 2008

09.Sebastián Friedman Familia y Doméstica: Familia Pagés Moschetti y Familia Valdés de Ríos Tintas minerales sobre papel de algodón 60 x 60 cm c/u 2000/2003

010. Gerardo Repetto Heliografías Desnudo 1 (2 horas y 40 minutos de pose sentada) Performance realizada en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Córdoba, Argentina. 120 x 300 cm En proceso desde 2005

011. Arelí Vargas Sin Título Tintas minerales sobre papel de algodón 40 x 50 cm 2009