Slideshow – Revista RARA

Instrucciones para olvidar

mau — Thu, 30 Mar 2017 17:18:55 +0000

«De hecho formamos parte de la realidad y, si no somos conscientes de ello, somos completamente irresponsables», Ai Weiwei Conversaciones con Hans Ulrich Obrist.

Uno

Es difícil comprender los mecanismos de la memoria. Lo que pesa del pasado en nosotros. Muchas veces recordamos lo que no vivimos, recordamos algo inexacto: una calle que no recorrimos, un trauma que no experimentamos, un idioma perdido en nuestros genes.

Creemos en el olvido como en algo cerrado. Un cuarto del que sólo miramos la puerta y nos obliga a especular acerca de lo que existe allí adentro. Como en esos mediocres programas de televisión donde se subastan bodegas sin que se hayan roto los sellos de las persianas, corriendo el riesgo de que exista un tesoro o mera chatarra. Olvidar es poner candados a algo que existe en alguna parte de nuestra memoria.

Trabajar con el olvido es trabajar en vía contraria al orden establecido. Los olvidos en las sociedades se construyen a partir de esa memoria selectiva que llamamos «historia oficial». Imagino las «historias oficiales» como esos centros comerciales que en Guatemala impusieron sobre sitios arqueológicos. Protocolos del consumo que no admite otra historia ni otra cultura que la del muy subdesarrollado oficio de codiciar lo que apenas podemos adquirir con nuestros muy indignos salarios. Ceguera que nos lleva a salir a trotar cada mañana sobre un cementerio. Arquitecturas uniformes que se imponen con su lógica muy por encima de una cultura subterránea, que, aunque silenciosa, nunca se ha quedado callada.

Emanuel Rodríguez

mau — Thu, 30 Mar 2017 17:18:09 +0000

Una imagen deconstruida. La coherencia que conocemos es una forma de reorganizar los elementos y entenderlos como una narrativa. Emanuel Rodríguez encontró las estructuras profundas en sus discursos visuales y cuenta historias completas en imágenes libres que siempre se pueden convertir en otra cosa.

Ahora mismo Emanuel está en Australia, saca una maestría en la Universidad de Melbourne, en la Facultad de Artes del Victorian College of the Arts. Su vida académica y artística lo hace viajar por todo el mundo. Esa transculturación se manifiesta en sus preocupaciones fundamentales. Es costarricense de nacimiento; sin embargo su producción es abierta a lecturas, y muy alejada de las identidades que pesan sobre el artista.

Ese rompecabezas que soy

mau — Thu, 30 Mar 2017 17:17:37 +0000

Eduardo Halfon coloca, con cuidado y precisión, un nuevo ladrillo en ese edificio narrativo que viene construyendo desde la publicación de El boxeador polaco (Pre–textos, 2008). En aquel libro no sólo apareció, completa por primera vez, la historia de su abuelo sobreviviente de Auschwitz, esa misma historia que más tarde habría de convertirse en un asunto recurrente en sus relatos, en un punto de fuga, en un asidero referencial, sino además emerge, delineada con rigor su silueta a contraluz, ese narrador de voz reflexiva, doble de Halfon, que se mueve con agilidad en países, en entornos, en realidades diversas.

Camina sobre fuego el narrador inventado por Halfon y al que le ha prestado el nombre. Arrastra los pies sobre las brasas. Es evidente que se está quemando y sin embargo parece distante, no indolente sino eso: distante, reflexivo, parsimonioso. Casi ajeno. Casi turista.

No todos los caminos llevan a Venecia

mau — Thu, 30 Mar 2017 17:16:31 +0000

[Abro con una nota bene: yo nunca he ido a Venecia, ni como turista ni como artista; ni como artista oficialmente seleccionado e invitado a representar a mi Patria en la Biennale. Ergo, es posible que estas rumias sean interpretadas como producto de la ignorancia o la envidia, pero como buen columnista, no voy a dejar que esas nimiedades detengan la marcha de mis dedos sobre el teclado. Avanti!]

Nadie es profeta en su tierra, por lo menos hasta que en esa tierra se enteran que uno es profeta en ultramar.

Puede ser por los traumas de la historia colonial de nuestras tierras, pero pocas cosas pesan en un currículo como una exhibición en el extranjero. Doble puntaje si es en los Estados Unidos, y triple si es en Europa. De todas las metas con las que uno puede soñar, ninguna más gloriosa que participar en la Biennale di Venezia. Esta fiesta de lo mejor del arte del mundo demuestra su genio nunca coincidiendo con años de olimpiada o de mundial de fútbol, para mejor capturar las atenciones del gremio artistoso y dominar por meses nuestras conversaciones y redes sociales: que si quién está curando y de dónde salió y cómo consiguió esa chamba, que quiénes han sido invitados y quiénes no, que si les están pagando la ida o les toca empeñar la tele, que si están produciendo obra nueva o si van a mostrar un revoltijo de reciclajes, que quiénes estuvieron en la inauguración y quiénes no, que cómo quedó todo, que quién dijo qué, que cuáles piezas recogieron más likes y más prensa, que cuáles se arruinaron y cuáles se vendieron, y que si se vale vender o no.

Lentejuelosa Ingrid

mau — Thu, 30 Mar 2017 17:15:54 +0000

Tiene setenta y dos años y ningún afán por salir de su casa, donde trabaja y recibe, si quiere. La primera galerista de Guatemala, Ingrid Klussmann Oates, ya no es esclava de su oficio sino, únicamente, de su arte.

Después de un largo día de incertidumbre, Ingrid acepta la visita. Hace algún tiempo dejó de llevarse bien con su salud y a veces prefiere esperar antes de dar un pronóstico o conceder una entrevista, aunque finalmente anochece y, como se siente mejor, accede. En el interior del caserón hay una densidad antigua de alfombras y maderas; una atmósfera de carnaval barroco, entumido por varias capas de cuadros, ceniceros de plata, fotos, libros, muebles, camas, conchas. Todos los objetos le pertenecen y algunos, incluso, son obra suya.

Por todas partes cuelgan lámparas que derraman lentejuelas, almendrones y piedras, y el pasillo que cruza las habitaciones está custodiado por maniquíes que parecen catedrales, forrados con plumas, encajes y abalorios, porque a Ingrid Klussmann Oates le gusta todo lo que brilla, todo lo que cuelga, todo lo que tiembla luminosamente.

El Despacio

mau — Thu, 30 Mar 2017 17:14:48 +0000

Sandino no compra ropa, al menos no como lo hacen los demás. Compra tal vez un jeans al año. No sabe manejar y tampoco le interesa aprender. Tampoco le gusta la playa, pero sí el arroz con camarones.

Según Leo, tiene el peor gusto musical y no sabe cocinar. Pero no se molesta cuando la cerveza hace charcos en el piso de madera. Le gusta hablar con ingeniosos gifs, y no come pollo. Cuando era pequeño su mamá trató de matar una gallina con un hacha que no tenía filo, Sandino miró.

Se aburre rápido. Cuando no hay mucho que hacer en algún bar, expulsa chorritos de cerveza de la boca, sin piedad, a quien sea. Y se sabe a la perfección sólo un truco de magia con una moneda; ama el queso, el queso por sobre todo lo que existe en este mundo.

Cuando le conté que no conocía la nieve se emocionó por ayudarme. Me explicó los mejores meses para viajar, luego me escribió correos recordándome esto.

La Fuerza en lo Conciso, Elena Wen

mau — Fri, 03 Feb 2017 20:05:21 +0000

En Skype, Elena es un koala (al menos su foto lo es). No nos podemos ver por problemas de conexión, entonces nos resignamos a una llamada telefónica. Lo primero que me cuenta es que dejó de hacer motion graphics. Admite que es algo que le dejaba dinero, inclusive vivía de eso, pero ahora está buscando la manera de sobrevivir haciendo lo que realmente le gusta. Es una exploración que no es nueva. Su trayectoria como ilustradora y animadora es larga, exitosa. Desde sus inicios, haciendo libros encuadernados a mano, los cuáles son parte de colecciones en instituciones como el Museo de Arte Moderno de San Francisco y la Universidad de Stanford, entre otras. Hasta su participación en bienales centroamericanas y exhibiciones en el Harvard Square y la galería AIR de Brooklyn.

Su búsqueda técnica y narrativa se observa claramente en su obra, pero ella es perfeccionista: dice que siente la presión del tiempo -su paso implacable- me confiesa, le causa cierta ansiedad.

De todos modos, es claro que este es un momento emocionante para ella y que el paso del tiempo juega a su favor: después de un año sabático en Costa Rica, y una temporada en Los Ángeles, está lista para volver a Nueva York y retomar sus proyectos. Ahora quiere acercarse más a la comunidad, a la producción autosuficiente, y la cultura no prefabricada. Al escucharla hablar reconozco en ella muchas de las fascinaciones e inquietudes que había entrevisto en su trabajo: la (in)comunicación, los comportamientos humanos, la cotidianidad.

Sobre todo esto último se hace evidente cuando habla de los eventos importantes de su vida, que califica de una especie de coincidencia.

Dr. Lakra

mau — Fri, 03 Feb 2017 19:53:55 +0000

Jerónimo López Ramírez –Dr. Lakra– es uno de los artistas contemporáneos más importantes de la escena mexicana. Su estilo es impecable, su entendimiento de la cultura popular mexicana trasciende sus raíces y lo convierte en un artista visual que se comunica con un lenguaje muy avanzado. Su trabajo es mucho más complejo y detallado que las miles de líneas que conforman cada una de sus piezas. Es muy difícil catalogar qué tipo de artista es el Dr. Lakra, no es solo pintor o dibujante, mucho menos solo un tatuador. Multifacético, profundo y bañado de estilo es hoy por hoy, uno de los pocos personajes que proponen y proporcionan al mundo del arte, trabajo diferente y con reñidas capas de lectura.

No debemos intentar o fantasear con entender el trabajo de Dr. Lakra al 100%. Pero vamos a aclarar un par de cosas: en primer lugar, nada es como lo pintan; y en segundo lugar, no vamos a devanarnos con palabrería “pesada”, oraciones complicadas y textos contemporáneos. Ayúdenme y vamos juntos a pelar este banano.

Nota: Doctor, cuando lea esto tome en cuenta que soy su fan y que más allá de escribir sobre lo retro y otras basuras modernas, invito a divagar por las rarezas y recovecos de su trabajo.

BAVIC Siete

mau — Wed, 18 Jan 2017 22:51:23 +0000

La más reciente edición de la Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano (BAVIC) tuvo como sede este año Managua, Nicaragua. La realización de este evento, como si se tratara de un escaparate gigantesco, intenta mostrar la situación actual del arte centroamericano y presentarlo como bloque a nivel internacional. Esta séptima edición de BAVIC presentó grandes cambios en su estructura en comparación a años anteriores. El más significativo fue el aspecto de la temática, ya que por primera vez, una bienal centroamericana no contaba con un tópico principal que englobara a todas las propuestas provenientes de los seis países que forman parte de la región. No obstante, a pesar de la expectativa que se generó sobre esta disposición de los organizadores, resultó inevitable que se dieran convergencias de las piezas a partir de las preocupaciones y experiencias que exploraban los 45 artistas participantes, cada uno seleccionado por un comité curatorial desde cada nación. La museografía, aun sin una directriz, logró en las instalaciones del Teatro Nacional Rubén Darío, de Nicaragua, un diálogo funcional y, sorpresivamente, espontáneo. Otro elemento de esta BAVIC siete, fue una actividad enfocada a la situación teórica de Centroamérica. Con más de una docena de charlas, los artistas, críticos e historiadores de arte se dieron cita para reflexionar sobre la posición del arte contemporáneo en el istmo. El evento trató de entender de modo unificado a la región y el arte que produce en la actualidad. Tenía por título Nadie sabe el pasado que le espera: Arte desde Centroamérica hoy, y obtuvo conclusiones interesantes sobre la region. A la fecha, BAVIC ha sido importante debido a la proyección internacional que aporta a los artistas de la región, ya que al evento fueron invitados distinguidos curadores, críticos e historiadores de arte, en calidad de jurados, quienes además de evaluar los trabajos insitu, han ubicado el arte de Centroamérica más allá de sus propias fronteras.

Guerra de la Paz

mau — Wed, 18 Jan 2017 22:42:59 +0000

La guerra está en nuestra naturaleza. La presencia original de un instinto de supervivencia se encuentra inevitablemente en todas partes. Nos guía durante la vida y nos mantiene intentando mantener fuera todas las cosas que nos amenacen de una u otra manera. Como la paz, la guerra siempre ha existido, pero ambas se complementan, creando un equilibrio y conformando un ciclo para la humanidad. Los actos de violencia han sido momentos trascendentales en la historia. Estos instantes son los responsables de transformar a sociedades y han llevado a la subida y caída de imperios; una fuerza que sin duda ha reconfigurado nuestras perspectivas de lo que es correcto e incorrecto, de lo que es aceptable y lo que no. Estas obras tratan un estudio de la conducta humana y exploran las implicaciones psicológicas que surgen en tiempos de conflicto, y cómo la guerra afecta a las personas en un nivel personal. Usamos objetos inanimados con los cuales el espectador se pude identificar, reinterpretando íconos clásicos para generar una complejidad de emociones. Aunque las imágenes son muy directas, cada pieza tiene diversos significados subyacentes y la manera en que se interpreta crea una experiencia única. Partimos de la búsqueda y colección de elementos, sobre todo, objetos de consumo que ya han sido desechados. Por años hemos recolectado camuflaje y figuras de acción, y cada pieza que encontramos se convierte en otro componente de nuestras series Camo y Joes, imágenes que reflejan las actuales problemáticas globales, así como acontecimientos históricos. Ambas series personifican la esencia del soldado, que a través de la historia ha sido glorificado o demonizado. Sobre las capas de la psique humana hemos desarrollado un guión que captura los momentos más íntimos, representando actos de poder y de vulnerabilidad. En las imágenes que producimos, los objetos adquieren una vida propia donde la familiaridad se desplaza, y la confusión e incertidumbre se presentan a través de ellas mismas. Mort, por otro lado, es nuestro intento por capturar esos últimos y efímeros momentos que suceden en la vida, una observación metafórica acerca del enigmático final que a todos nos espera algún día. Una sólida montaña de ropa negra sirve como un vacío entre la luz y el aire, representando las consecuencias de un acontecimiento catastrófico –sepulcro aplastante de pilas de cuerpos anónimos– sofocando una figura solitaria que representa el aislamiento del lecho de muerte. En esta obra, nos encontramos contemplando la certeza de la muerte y lo impredecible de la vida; que sirve como un constante recordatorio de nuestra propia mortalidad.

Seis Arquitectos

mau — Wed, 18 Jan 2017 22:38:37 +0000

Inevitablemente han vivido la evolución arquitectónica de la ciudad que les rodea. Aun desde sus años como estudiantes de arquitectura, una época en la que apenas se contaba con los dedos de la mano a los arquitectos que diseñaban la modernidad de Guatemala en la mitad del siglo XX. “Queríamos entrar en la jugada”, es como dice Peter Giesemann, Carlos Lara, Ernesto Porras, Rodolfo Solares y Rafael Tinoco al nada más recordar el trabajo del también arquitecto, “maestro y amigo”, Raúl Minondo, recién fallecido hace unos meses. Todos ellos, los seis profesionales en conjunto, son percibidos como los protagonistas que han movido una de las firmas más emblemáticas de la actual arquitectura centroamericana y que, colateralmente, de modo intrínseco, cultural y comprometido, han dado un vuelco al paisaje urbano de algunas capitales de la región. La experiencia de cada uno de estos arquitectos, de modo individual, luego desde las firmas Solares & Lara, Tinoco & Porras, Minondo & Giesemann y más tarde como Seis Arquitectos, implica un número importante de proyectos arquitectónicos, significativos tanto en diseño como en sentido y entendimiento del lugar donde ellos mismos viven, diseñan y edifican. Si cualquier día se recorre Guatemala o El Salvador, uno se topará con trabajos que han partido desde la mesa de dibujo de estos arquitectos guatemaltecos: conjuntos residenciales, edificios de oficinas privadas e institucionales, centros educativos, edificios de apartamentos, centros comerciales, hoteles, centros recreativos y hospitales… Entre los proyectos más destacados de urbanismo y arquitectura realizados por la firma Seis Arquitectos, resalta el plan maestro del desarrollo de Condado Concepción, el plan maestro de la Nueva Ciudad de los Altos en Quetzaltenango y estructuras, “con un carácter más humano al entorno social”, como los centros comerciales Miraflores, Oakland Mall, en Guatemala, o el C.F.I. del Banco Agrícola Comercial de El Salvador. Hoy la firma plantea un nuevo proyecto, uno que trata de integrar distintas disciplinas relacionadas con la arquitectura en un solo complejo estructural: el Design Center Guatemala. Se trata de un centro empresarial diseñado para la industria de la arquitectura, el diseño y la decoración, todo de primera instancia, buscando el trabajo en conjunto, la representación internacional de Centroamérica, desde una única base central.

Foto: México y C.A.

mau — Wed, 18 Jan 2017 22:34:12 +0000

La fotografía es un medio cotidiano. En Latino-américa, si bien no ha tenido la misma visibilidad que tiene en Europa y Estados Unidos, la producción fotográfica ha crecido de forma significativa en los últimos años. Así, gracias a su capacidad de adaptación, la fotografía se ha hecho de un espacio especial dentro del arte. Internacionalmente, ningún otro medio se ha representado de formas tan distintas. En la actualidad cuestionarnos sobre si la fotografía es arte o no, ya no tiene cabida –finalmente, después de casi 200 años de debate–. Su presencia, cada vez mayor en exhibiciones contemporáneas en los grandes museos y galerías, así como el surgimiento de certámenes y festivales dedicados exclusivamente al medio, son sólo algunos ejemplos. Si bien podríamos hacer distinción entre fotógrafos de arte, artistas, artistas fotográficos, artistas que se sirven de la fotografía y fotógrafos, hemos hecho una revisión de los festivales de Guatemala, El Salvador y México, con la única intención de destacar las obras más interesantes. Muchos de los creadores de imágenes dentro de estos festivales se refieren a sí mismos como artistas, otros se hacen llamar fotógrafos, mientras que algunos experimentan también con otros medios, como el video y la instalación. En este caso, las distintas definiciones no son importantes. Lo único que realmente cuenta es que su trabajo comunique ideas de manera coherente –que inviten a una reflexión–, de modo que merezcan atención, valoración y análisis. A lo largo de la historia, la fotografía ha sufrido un sinnúmero de transformaciones, llevándonos por una especie de laberinto. La imagen que por décadas hemos visto en anuncios, revistas de moda, álbumes familiares, archivos científicos, periódicos, etc., se volvió tan accesible y tan habitual, que el medio por sí sólo parecía no tener mayor importancia y mucho menos una trascendencia artística. La fotografía latinoamericana en general hasta hace pocos años todavía era vista con desdén, relacionándosele a imágenes exóticas, folclóricas y costumbristas. Con ello, a partir del Primer Foro de Fotografía Latinoamericana, realizado en México en 1978, parecieron sentarse las bases de los esquemas ideológicos desde los que se evaluaría la fotografía latinoamericana durante varias décadas, pero aún condicionados por la “imagen latinoamericana”. Sin embargo, actualmente se identifica por un común denominador: como dice el curador español Claudi Carreras, “en América Latina los procesos de creación surgen en plena efervescencia política, económica y social”, dando paso a una tendencia principalmente documentalista. Ese documentalismo, empero, no es sencillo, no sigue una receta específica y su resultado nunca es literal. Así, con una amplia diversidad de resultados, la fotografía nos ha venido a mostrar que su función no es solamente la de hacernos ver la realidad sino reinterpretarla, llevando a la imagen a niveles nunca antes imaginados. El hecho de que en algunos casos, principalmente en nuestra región, se siga argumentando en contra de ella no se debe a su inconsistencia sino al hecho de que sus posibilidades críticas y creativas son hoy más vastas que nunca. Dentro de ese eterno laberinto de confusión, uno de los aspectos que ha enriquecido a la fotografía ha sido el “boom” digital de la última década. Si es cierto que éste ha generado controversia, acusándosele de llevar a la fotografía a su punto más bajo, principalmente desde una visión purista, ha sido también gracias a eso que la hemos desmitificado. Herramientas como Photoshop, nos han hecho ver lo fácil que puede ser sospechar de ella –a pesar de que la fotografía ha sido siempre un medio manipulable, ya sea en la toma o en el cuarto oscuro– pero ahora podemos afirmar que la era digital consiste, senci-llamente, en una etapa esencial e innegable de su largo y constante desarrollo. En la historia de la fotografía, el conceptualismo fue mucho menos llamativo que el pop (que había utilizado la fotografía como una herramienta para cuestionar y criticar el medio mismo), pero ejerció una gran influencia para su futuro en el arte. En el conceptualismo importaban más las ideas, las investigaciones y las definiciones profundas, dando paso a nuevas interrogantes. Esto la llevó a un punto en el que se deshizo de todos los objetos y se quedó sólo con las ideas, utilizando, en este caso, la fotografía de una manera muy casual sin habilidades técnicas y sin la necesidad de otorgarle un “semblante” artístico.

Encubrimientos

mau — Tue, 17 Jan 2017 22:15:11 +0000

1 / Una historia ilustrada de la mentira El término “encubrimientos”, usado como título de esta exposición, tiene tantas implicaciones políticas como poéticas. De hecho, puede suponerse que el uso de “encubrimientos” encubre una implicación política tras una poética. O viceversa. Dos obras de esta exposición pudieran ilustrar perfectamente ese extremo en el cual el encubrimiento se exhibe como gesto político (en un caso) y el gesto político se descubre como simulacro (en el otro). Hablo de la pieza titulada Souvenir, de Sebastián Friedman, y del políptico de Cia de Foto, titulado Políticos. La primera es una obra que invita a los espectadores a formar parte del acto fotográfico por medio de una escenificada usurpación de identidades. Sebastián Friedman ha recortado y montado unas siluetas en tamaño natural, dejando hueca la parte correspondiente a la cara, de manera que las personas pueden optar por tomarse una foto posando con su rostro a través de una silueta ajena. Esto es lo que se hace a veces en lugares turísticos con siluetas de personas famosas, celebridades del mundo del espectáculo o la política. Es un acto en el que la gente juega a exhibirse como quien no es, ironizando sobre su propia fantasía y vulgarizando el glamour de los famosos con su propio anonimato. Friedman mantiene la ironía, pero invirtiendo su sentido, pues las siluetas utilizadas son de gente de las clases populares: pudieran ser obreros, sirvientas, desempleados o personas que viven en las calles. No es el tipo de gente que uno quisiera ser (literalmente, no queremos vernos en sus zapatos) y muchas veces es el tipo de gente que permanece invisible. La relación entre aspiración, deseo y posesión, implícita en la ficción de las identidades, se vuelve aquí también una relación política, casi pudiéramos decir que es una relación “políticamente incorrecta”. Al invitar al público de la exposición a fotografiarse con estas figuras, Friedman hace que esta relación política pase a conformar el lado pragmático de la obra, afectando la lógica de su consumo y sustituyéndola por una lógica de la participación. Lógica también invertida, pues si participar es tanto formar parte como tomar partido, en esta obra ambas opciones existen
solamente como sendas ficciones.

01:Cia de Foto Caixa de sapato Video (5’04’’) 2008

02. María Teresa Ponce L51 Tintas minerales sobre papel fotográfico 110 x 145 cm 2008

03. Alejandro Lipszyc Estaeban Widnick: 18 de abril de 2002. Paternal Buenos Aires / Barcelona España. Tintas minerales sobre papel
de algodón 60 x 60 cm 2002

04. Cinthya Soto Playa y Bicicleta C-print 123 x 123 cm 2007

05. João Castilho De la serie Redemunho Tintas minerales sobre papel de algodón 70 x 105 cm c/u 2006

06. Andrés Asturias De la serie Arena Negra Tintas minerales sobre papel de algodón 80 x 80 cm 2010

07. Andrés Asturias De la serie Arstroland Tintas minerales sobre papel de algodón 80 x 80 cm 2007

08. Andrea Aragón de la serie super rubias 2008

09.Sebastián Friedman Familia y Doméstica: Familia Pagés Moschetti y Familia Valdés de Ríos Tintas minerales sobre papel de algodón 60 x 60 cm c/u 2000/2003

010. Gerardo Repetto Heliografías Desnudo 1 (2 horas y 40 minutos de pose sentada) Performance realizada en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Córdoba, Argentina. 120 x 300 cm En proceso desde 2005

011. Arelí Vargas Sin Título Tintas minerales sobre papel de algodón 40 x 50 cm 2009

Rotterdam

mau — Tue, 17 Jan 2017 21:59:58 +0000

Rotterdam es una de las ciudades más emblemáticas de Holanda. Su arquitectura se reconoce mundialmente por innovadora. Es una ciudad sobreviviente, joven e internacional, en constante evolución.

Cuando uno llega a Rotterdam en tren, parece haberse transportado en el tiempo. Tras kilómetros de campos verdes y pequeñas granjas de los pueblos aledaños, al salir de la estación, uno se topa con una multitud de grúas, tractores, conos y detrás de este panorama, torres enormes de espejos con pantallas en sus laterales, esculturas monumentales y enormes plazas. La ciudad está poblada por una enorme diversidad cultural, dándole una riqueza, sabor y colorido extraordinario. Uno tiende a pensar en los Países Bajos como ciudades frías y silenciosas; éste no es el caso de Rotterdam, cuya historia es palpable en todas sus calles. Esta Venecia del futuro es una de las ciudades de arquitectura por excelencia y la manera como ha llegado a serlo es inspiradora. Rotterdam comenzó como un asentamiento en ambos lados de la Rotte, un afluente del río Nieuwe Maas. Ganó los derechos de ciudad en 1340, desenvolviéndose a partir de la tradición del comercio por siglos. A partir del siglo XVII empezó a posicionarse como un puerto de importancia. Así, el comercio, la pesca y la navegación se convirtieron en los elementos económicos fundamentales. La ciudad se convirtió en el hogar de unos 30 mil habitantes. Actualmente su mercado en la plaza de la biblioteca central, ofrece los más suculentos pescados, mostrando el orgullo de una tradición aún presente.

David Garda: El Sentido Holístico de la Arquitectura

mau — Tue, 17 Jan 2017 21:54:46 +0000

Llegar a Garda, a David Garda, el arquitecto, es como entrar indistintamente a una nueva dimensión. Una vez cerca no es posible enterarse del todo que algo ha cambiado, quizá se deba a cierta sutileza, una nueva forma en cómo estructurar, de integrar las cosas que le rodean. Su oficina tiene mucho de eso: “holística”, defiende Garda y resume así el conjunto arquitectónico que le delata ya cierto estilo propio. Y no es para menos, pues como arquitecto, David se presenta intelectualmente muy inquieto.
Cada explicación que plantea tiene una factura cultural, histórica, técnica y contextual como punto de partida para apuntalar los propósitos de la actual arquitectura contemporánea. Siendo él de origen italiano, Guatemala ha sido su residencia por casi tres décadas; durante los setenta, que corresponde a su primer período de formación profesional, y a partir de los noventa, cuando decide regresar después de haber transcurrido los ochenta en Italia y California. Y hay que ver lo que ha hecho en estos treinta años como arquitecto. Desde fundar la galería de arte Cronos; una maestría en la Universidad de Genova, Italia; otra en la Universidad de Berkeley, California. En Milano, Italia, suya es la coordinación de todo el equipo de arquitectos involucrados en el proyecto CityLife, la propuesta de diseño ganadora para la remodelación del barrio histórico de la Feria de Milán; los OaklandLOFTS, algo más reciente, en zona 10; el edificio CentroLOFTS con nueve unidades de apartamentos, un área comercial y una galería de arte en pleno Centro Histórico de Guatemala.

XVII bienal de arte Guatemala

mau — Tue, 17 Jan 2017 21:48:35 +0000

VER PARA CREER / En una sociedad que parece haberlo visto todo, en la cual la fe en los relatos de la modernidad se fue perdiendo ante el fracaso de aquella promesa de un futuro de igualdad y progreso, se esperaría de la actualidad una actitud de descreimiento, de profundo escepticismo. Sin embargo, sucede lo contrario y se asiste a lo inesperado: la fe parece abundar en la forma de multitud de credos; los hay multitudinarios con orientación mediática, hasta otros privados, los ocultos, o de intereses personales. La búsqueda de sentido ha desarticulado las creencias universales y las religiones hegemónicas en miles de sectas. En este sentido, el título de la XVII Bienal de Arte Paiz, fue compuesto a partir de una máxima atribuida a Santo Tomás: Ver para creer. Es una frase contenida desde dos supuestos: el uno se refiere a la fe, el otro remite a lo visual. Pero en esta dupla de términos, la fe está condicionada a la mirada. Si consideramos que la fe es precisamente creer en algo que no se puede ver o comprobar, nos encontramos ante un postulado paradójico, traducido como una tensión entre razón y sentimiento. La XVII Bienal de Arte Paiz desarrolló una reflexión a partir de este aspecto. Participaron 30 artistas guatemaltecos y siete internacionales. El evento se concentró en el Centro Histórico de la ciudad de Guatemala bajo cuatro temáticas alrededor de la fe.

Walterio Iraheta: Lanschaft

mau — Tue, 17 Jan 2017 21:31:59 +0000

Es un proyecto en el que trato de registrar, a través de imágenes, principalmente de cielos, el panorama modificado por el hombre. En este caso, espacios intervenidos por cables eléctricos y rótulos publicitarios, entendidos como símbolos del desarrollo contemporáneo. Intento hacerlo desde una perspectiva estética, ironizando de esta manera la dicotomía que existe entre el ser humano y la naturaleza.

Además de las fotografías, he incorporado a esta serie algunas instalaciones creadas con basura como tapas de aguas gaseosas, envases y otros desechos plásticos, siempre con la idea de reflexionar sobre cómo estamos modificando nuestro entorno y la responsabilidad que tenemos en ese proceso.

Giesemann: Espacio y Luz

mau — Tue, 17 Jan 2017 21:24:33 +0000

La luz solar es fundamental para la expresión arquitectónica de Peter Giesemann. Un recorrido cósmico parece diseñar cada uno de sus salones. La penumbra del amanecer, el ocaso, la luz cenital y los planos verticales de vidrio son elementos espaciales y constructivos de su dialéctica arquitectónica. La memoria de la tradición neoplásica y de vanguardias modernistas, son elementos notables en superficies verticales y horizontales que completan los espacios de residencia, donde la luz y la sombra destacan como los principales actores cotidianos. Amplios tragaluces consignan luz blanca y clara sobre los ambientes, eludiendo así incómodos reflejos… instaurando espacios de contemplación. En las residencias de Giesemann, los amplios planos de vidrio evitan llamarse ventanas; su función, no obstante, radica en desaparecer una distinción entre límites de lugares interiores y exteriores en cada edificación. Así, el ambiente parece extenderse hasta el infinito, y el arquitecto ha creado una tensión entre el mundo natural y el ambiente humano. El cosmos y la calidad de luz en el espacio que diseña Giesemann invitan a pensar que la arquitectura no es una estructura, sino un espacio transitorio de luz y naturaleza.